2021 Artistas
Carla Aurich | 19 Park Place
Jardín Nocturno de las Cigarras, 2021
Impresión digital de collage
Los jardines nos conectan con la naturaleza y con la biblioteca colectiva más grande de información transmitida entre vecinos, familia, comunidad y generaciones. Las cigarras, las pandemias, los incendios forestales y otros eventos cíclicos surgen en su propio reloj, despertándonos a los ritmos de la vida, la muerte, la destrucción y la resurrección. El jardín nocturno tiene vida lleno de sonidos y con un cielo centelleante, un instante mágico, restaurador donde el inconsciente deambula libremente.
Jardín Nocturno de las Cigarras es la impresión digital de un collage que incorpora tintes naturales de mi jardín, y desechos recolectados en mi vecindario. Los tintes naturales se extraen de flores como hibisco, lavanda y caléndulas y, junto con las reproducciones de los árboles y los desechos recolectados, todo procedente de Newburgh. La escala del collage original se amplificó para que se adaptara al espacio bajo la ventana, lo que le permite relacionarse con la arquitectura y sugiere una ventana a otro reino.
Michelle Batho | 87 Ann St
Impostor, 2020
Aluminio
La reacción inicial a un confinamiento físico aunque temporal es a menudo de preocupación o de estrés. La palabra confinamiento sugiere tensión, presión incluso agresión. De manera similar a las limitaciones del proceso creativo, los confinamientos físicos y temporales pueden ofrecer un camino mental más libre que el que ocurre en un entorno que no está restringido ni por el tiempo ni por el espacio. El enfoque no se extrae del proceso ni físico ni mental, proviene de los desvíos auxiliares hacia el deleite de la productividad ajetreada. Desde este lugar llamado restringido nace una libertad y una claridad inconmensurables. Impostor es un conjunto de bloques de aluminio mecanizados en varios patrones inspirados en geometrías restringidas y superpuestas. Es una una conversación con el software de fabricación asistida por una computadora, un juego con los límites, las adyacencias, quién decide y cuándo terminamos.
Amber Bowen | 45 Edward St
Nomeolvides, 2021
Papel, tinta y pasta de trigo
Una de las flores favoritas de mi abuela era la nomeolvides y cada vez que las veo es inevitable recordarla. El nombre de la flor por sí solo es maravilloso en el recuerdo de un alma tan hermosa como la suya. Una mujer llena de magia que crió a dos hijos varones maravillosos pero siempre deseo tener una hija. Sus dos hijos le dieron cinco gloriosos nietos y todos fueron niñas. Nos amaba, y lo demostró en todas las maneras en las que interactuaba con nosotras. De recordar la pérdida de una persona tan importante en mi vida, nace este sentimiento de duelo por todos aquellos que perdieron a un ser querido por COVID-19.
Esta instalación da vida a ese dolor, en memoria de aquellas personas que perdieron su vida. Cuando visualicé por primera vez esta pieza en mi mente, llevábamos 723 muertes por esta pandemia en el condado de Orange, Nueva York. Hoy mientras escribo estas palabras el número asciende a 736. Seres queridos, y tal vez algunos más adorables que otros, pero aún así seres humanos hechos de la misma carne y sangre que tú y yo. ¿Acaso hay que conocer a la persona para amar al ser humano? En esta instalación hay 736 ataúdes que representan a los humanos que algo tan microscópico como un virus puede llevarse. Nos preocupamos mucho por comprender al otro mientras se pierde la compasión. Esta pieza es un recordatorio de que todos somos mortales. Nos encontraremos con ese final fatal y, con suerte, ese final estará lleno de compasión. Compasión por la Madre Tierra en cómo volvemos a ella y compasión por los demás.
Andrew Brehm | 266 Montgomery St
Museo de Riego, 2021
Nelson Dial-A / Lluvia, Aqua King, Everain, Rain-Wave, aspersores y mangueras
Durante el verano de 2020, rompí mi aislamiento con una visita espontánea a una venta de garaje. Era la primera vez en meses que hacía algo fuera de casa que no fuera esencial. Me topé con unos aspersores casi antiguos y sentí muchas deseos de comprar uno. El dueño del garaje observó mi dificultad en tomar una decisión, de manera que me permitió probar cada uno de los aspersores con su manguera de agua en su jardín. Al conectar cada uno de ellos a la manguera puso en evidencia rápidamente que todos estaban rotos de una forma u otra. Los precios se redujeron drásticamente y me fui a casa con cuatro de ellos, dos días después regresé a comprar el lote restante.
Estos aspersores alguna vez fueron impresionantes osciladores accionados por el movimiento del agua. Rociaron con orgullo los jardines acalorados del verano y cada una de sus distintas perillas se ajustó a la fuerza, flujo y dirección del agua. Evitaron que el césped o los niños del vecindario se marchitaran con el calor seco del verano. Estos rociadores estaban en mal estado, arreglar algo hace más por ti que lo roto. Visítanos durante los primeros 5 minutos de las 2pm, 4pm, 6pm, 8pm, 10pm todos los días para disfrutar de todo su esplendor.
Vivien Collens | 32 Benkard Ave
Sin título, por ahora 2021
Aluminio
Mi trabajo es abstracto, pero siempre tiene un tema.
Para mí es una dialéctica entre lo racional y lo material,
entre energía y estabilidad.
La energía es un tema de preferencia porque puede tomar muchas formas.
Mi trabajo representa energía y crecimiento, movimiento y estructura.
Siempre me ha interesado la creatividad como proceso.
El impulso creativo manifiesta energía, energía que inspira el crecimiento, tanto mental como físico.
Con las formas geométricas desarrollo estructuras que se refieren a un constructo científico, matemático, geométrico y el mundo creado por el hombre.
Con formas orgánicas me refiero a la naturaleza y al mundo físico.
La cualidad dinámica de este trabajo proviene de la energía que impulsó su creación.
Damfino (Chris Esposito + Matt Greco | 189 Montgomery St
Señal de fuego, 2021
Hormigón, acero, madera, plástico, papel
Signal Fire or Señal de Fuego es una instalación de Damfino (una colaboración entre Chris Esposito y Matt Greco) compuesta por una escultura en la Sociedad Histórica de Newburgh Bay y Highlands. La escultura asemeja una boya iluminada en la parte superior, estableciendo una conexión directa con la rica historia marítima de las ciudades que se encuentran a lo largo del río Hudson como Newburgh. El transporte marítimo y el comercio marítimo mueven mercancías entre diferentes lugares y pueblos y, al mismo tiempo, trasladan la cultura, la ciencia y las ideas. La tradición compartida en ese movimiento está en el corazón de este momento, en el que todos intentamos recuperar la normalidad en nuestras vidas. Cómo podemos conectarnos unos con otros después de este largo tiempo de separación. Nuestro trabajo pretende ser un faro tanto simbólico como literal para guiar nuestro camino de regreso.
Serena Domingues | 10 Galloway Ave
Interrupción, 2021
TV portátil de 5’’, acero, musgo
Interrumpimos tu programación para traerte este importante mensaje:
Los ojos limitadores solo ven aquello a lo que quieren prestar atención. El destino de un objeto está en manos de sus poseedores; desapercibido cuando su tiempo es obsoleto. La tecnología desplazada se queda sin hogar cuando la naturaleza interrumpe. Mira y escucha.
Daniel Giordano| 113 First St
Familia (Revisada), 2013-2021
Oro de 24 quilates, oro artificial, cerámica, cordones de tapicería de algodón, vidrio, ferretería, pigmentos, aceites perfumados, cera y madera
Familia (revisada) puede significar que la familia (tanto los parientes consanguíneos como los elegidos) es todo. Con suerte, los poderes que se derriten la estructura de cera en el recipiente, haciendo que rebose sobre el borde del recipiente de cerámica emitiendo aromas mientras revelan tesoros sellados herméticamente en su interior. Lo más probable es que la escultura se transforme en el transcurso de la exhibición y el resultado será un componente para una futura escultura. He ensamblado una situación en la que todos pueden reunirse como recordatorio para interactuar con sus seres queridos.
Manteniéndose en contacto.
Tal Gluck | 10 Henry Ave
caer en el árbol genealógico, 2021
En su artículo, “(Filogenéticamente) No existe tal cosa como un árbol”, Georgia Ray describe el fascinante e irregular árbol genealógico de los árboles. Dice:
El antepasado común de un arce y una morera no fue un árbol.
El antepasado común de una ortiga y una planta de fresa fue un árbol.
Y esto es cierto para la mayoría de los árboles o no árboles.
Hay algo mágico en las conexiones y desconexiones entre árboles y plantas, y todas las vidas y objetos en los que pueden ramificarse.
Esta instalación está hecha de cosas que solían ser árboles, y cosas que nunca fueron árboles, y cosas que algún día podrían volver a ser árboles.
Philippe Halaburda | 109 S William St
Suun Rayy, 2021.
Velo transparente amarillo neón
La instalación de arte Suunrayy representa la energía colectiva de los ocupantes del edificio que emulan a la comunidad de Newburgh, exploran las tensiones y relaciones sociales.
El límite borroso entre percepción y experiencia siempre me inspiró a trabajar con diferentes materiales, pintura, cinta o tela.
Para este proyecto decidí usar un velo amarillo que me permitiera revelar todas las interacciones positivas entre las personas y su entorno. Tiene una esencia iluminadora que nos llama la atención.
Me interesa el aspecto aleatorio de las emociones a través del arte al imaginar creaciones abstractas a gran escala.
Erica Hauser | 201 Montgomery St
Euforia Contenida, 2021
Madera, pintura, hilo, técnica mixta
Durante estos últimos 18 meses las palabras que me rondan en la mente son distancia, espera, niveles, arriba y abajo, adelante y atrás, subidas y descensos. En un sentido muy amplio, observo objetos como una escalera, cuerda o una silla como formas para describir cómo estamos resistiendo estos altibajos. Mi pieza intenta expresar la “euforia contenida” visualmente, una frase que escuché en la radio a principios de este año que describe nuestro optimismo cauteloso, ya que esperamos unirnos nuevamente y ser más fuertes por ello. Hay muchas cosas que todavía están defectuosas o rotas. Encontramos trozos de alegría y de color a medida que avanzamos, nos aferrarnos a ellos y entre nosotros cuando cuando el suelo se abre en dos, al mismo tiempo procuramos mantener distancia física y conexión.
James Jackson | 75 Broadway
Gordian Beach, 2021
Técnica mixta
En 2006, leí The Road, de Cormack McCarthy, poco después de haber tenido a mi primera hija, Junia. Siempre había creído en la ciencia del cambio climático, pero es difícil imaginar cómo será el mundo si el cambio climático sucediera. La oscura y heroica visión de McCarthy se quedó atascada en mi estómago. Repasé los detalles de sus descripciones una y otra vez. Todavía lo hago en mi mente. Es una obra de presencia sublime en mi día a día.
Para ser justos, en realidad desconozco si en realidad el libro de McCarthy se basa en un mundo posterior al colapso climático, pero no importa, su visión y mi lectura de ella me llevaron a ese destino. El camino desde ese lugar, ese encuentro, me condujo directamente a Gordian Beach.
Mi otra influencia es una frase bastante simple que me recuerda constantemente la poca capacidad de acción que poseemos: “puede que no te interese la guerra, pero tu sí que le interesas a la guerra.”
Gordian Beach es una simple interrogante para el espectador, mi respuesta, a esa misma pregunta.
Se avecina una guerra terrible y no hay nada que puedas hacer al respecto en este momento. ¿Qué vas a hacer?
Quiero agradecer a mis padres por todo lo que hicieron por mí y de mí, a mis hijas por todo lo que me dan y me quitan, y a mi esposa y compañera en todo, Lydia Chan.
kathQueen | 110 Washington St
OJO-CORAZÓN-YO , 2019
Escultura colgante creada con materiales a los que se les ha dado un nuevo propósito componentes de construcción, artículos del hogar y ropa
La práctica artística de kathQueen ha surgido de su deseo de expresar sus sentimientos y recrear el ARTE a partir de la recolección de lo ordinario. kathQueen aprendió que al amarse a sí misma podía difundir amor de manera auténtica. OJO-CORAZÓN-YO fue creado en 2019 para ser compartir en un evento de desarrollo personal al que fue co-anfitriona en el Valle de Hudson. kathQueen se inspiró para crear algo grande y significativo. Todos los materiales utilizados, excepto el pegamento y los sujetadores, fueron escarbados o recolectados. El OJO está perfilado en mangueras de jardín y acentuado con conexiones de tubería de latón. Las pestañas son láminas cobrizas de techo que su hermano rescató de una reparación. La pupila se crea con un centro de tapacubos rodeado de adornos de vidrio sobrantes de un proyecto de mosaico que habían hecho las hermanas de kathQueen. También se incorporaron al OJO un espejo recuperado, una tubería de cobre y una malla de alambre. El CORAZÓN se rompe y se vuelve a conectar con cadenas y candados rescatados de objetos perdidos y encontrados de la escuela secundaria en Beacon. Tiene un borde de pantalla de insectos y está lleno de restos de camisetas empapados en pegamento y pintura. El CORAZÓN tiene bisagras, lo que le permite colocarse plano, en acordeón o doblarse en una esquina. El YO está bordeado con chapas de cobre y revestido con espejos y chapas de aluminio. kathQueen usó elementos reflexivos para enfatizar el amor a uno mismo y la importancia del YO.
Rita Leduc | 6 Grand St
Marcas de campo, 2021
Mixed media
Me refiero a la creación y profundización de conexiones como un “proceso de conocimiento”. Este proceso requiere de una profunda capacidad de escuchar y comunicar, lo que podría considerarse como elementos esenciales de una relación exitosa. Si el proceso alguna vez termina, el crecimiento de la relación se atrofia y su viabilidad queda en juego. En consecuencia, mis trabajos públicos para Terrain invitan a los visitantes a participar en diálogos en los que se escucha activamente fomentando relaciones prósperas.
La obra está ubicada en cinco sitios en 6 Grand Street y consta de cinco notas visuales de 5” x 6” intercaladas entre láminas acrílicas de 14” x 22” selladas en marcos verticales. El proceso de “escritura” de estas notas se lleva a cabo en el exterior, en cada sitio elegido, con materiales provisionales como vinilo, rotulador, pastel, pintura acrílica, bolígrafo de gel, cinta de colores y grafito. A medida que hago cada uno, uso el color, la textura, el gesto, la forma y la composición para tener una experiencia de empujar / tirar, un diálogo, que determina aspectos que deseo enfatizar, contrarrestar o dejar ser. Debido a que cada nota es única, hay mucho en juego y me siento vulnerable. Pero debido a que cada nota es pequeña e imperfecta, las apuestas también son bajas. Esta improvisación invertida encapsula el dinamismo, la complicación y la intimidad que surge de un proceso de conocimiento.
Se anima a los visitantes a acercarse a cada pieza, examinando simultáneamente la nota mientras miran hacia el entorno a través de los márgenes acrílicos, experimentando de primera mano la forma en que un proceso activo de conocimiento genera conexión.
Amanda Light | 30 Park Place
Acción Interior, 2021
Plástico reciclado
A lo largo de nuestra vida, distintas circunstancias nos invitan a volcar la atención hacia adentro. A medida que atravesamos estos períodos de introspección, exploramos nuestros paisajes internos para deshacernos de creencias y situaciones obsoletas que nos causan dolor. Reflexionando dentro de nosotros mismos y limitando la exposición a estímulos y opiniones externas, podemos encontrar lo que realmente nos motiva e inspira, incluso vemos con más claridad la forma de avanzar como individuos. ¿Qué pasa cuando todo un colectivo de individuos concentra al mismo tiempo su atención hacia adentro? ¿Viejas estructuras ideológicas se identifican para ser transformadas en nuevas, proyectándose hacia el futuro? Nacen visiones, y emergen las piezas y los caminos que hacen posible esas visiones. A medida que cada individuo se involucra en este descubrimiento interior, esta acción interna, las interacciones que tienen entre ellos, el colectivo y el mundo en general pueden transformarse, aclararse y hacerse más fluidas, cohesivas e intencionales.
Acción Interior es una escultura de plástico reciclado con un tallo en forma de espiral, ondas que ascienden, se retuercen y se sumergen en la tierra para emerger de nuevo, mientras bailan unos con otros.
Ashley Lyon | 375 Grand St
Banquillo de tetas, 2021
Cerámica, Terra Sigillata
Esta obra de cerámica de Ashley Lyon titulada Boob Bench 2021 (Banquillo de tetas) (edición 2/20) se trata de un objeto utilitario que invita a las personas a descansar sobre un par de senos hinchados. Las esculturas de Lyon celebran la exquisitez de la carne y la intimidad, visualizadas a través del cuerpo materno en constante cambio. Los trabajos recientes de Ashley tienen una relación complicada con el sentimentalismo; los objetos domésticos agrandados y las secciones del cuerpo recortadas hacen referencia al apoyo y la transformación, mientras que estos senos hinchados, presentados como un banquillo, eluden un significado simple. Es una mezcla entre lo sexual, el cuerpo, un bebé, el peso desnudo y la intensidad emocional y física de la maternidad juvenil quedan al descubierto.
El trabajo más reciente de Lyon busca explorar el territorio increíblemente rico y complejo de los cambios, tanto físicos como fisiológicos, inherentes al proceso de conversion en madre. Considera la “simultaneidad de la experiencia de la madre: es al mismo tiempo impresionante, hermosa, confusa y agotadora. Son palabras y piezas que encarnan el término de Alexandra Sacks “matrescense”, el nacimiento de una madre, la marcada transición entre la vida en la etapa de la adolescencia, el asalto emocional y constante de emociones contradictorias, perspectivas ambivalentes. Estas piezas nos recuerdan que la maternidad rara vez coincide con las expectativas, ya sean internalizadas o expuestas por la sociedad y todas sus normas.
Matthew Lusk | 29 + 30 Chambers St
Dos si es a mano (Escena de la calle Chambers), 2021
Acero, columnas rescatadas, esmalte, cabezales de trapeador, cadena, herrajes surtidos.
Originalmente, concebí este trabajo como la conclusión de una carta de amor a la ciudad de Newburgh; el fin de una nota a la gente y edificios de esta ciudad. Miré alrededor de mi estudio y encontré los ingredientes en bruto para dos grandes X y dos grandes O: cuatro columnas jónicas encontradas en un almacén de objetos usados en el valle de Hudson y un par de anillos de acero rescatados de una destilería en el condado de Kings. Aparentemente, este es el tipo de cosas que tengo a mano,
En algún momento, la idea asumió algunos fallos. Las piezas redondas, de una menor escala que los elementos rectos, se encontraron y renunciaron a su propia identidad como letras individuales. La unión de los elementos formó un símbolo. Una especie de letrero antiguo.
Las columnas, ya algo determinadas, se cubrieron de un negro fúnebre que no hizo nada por ocultarlas ni disimular su regia dignidad.
Se introdujeron trapos para ordenar un poco las cosas. No hicieron nada por el estilo. En cambio, las melenas peludas confundieron toda la empresa, lo que implica un desastre que debe limpiarse. El desorden no es del todo visible.
Los lentes ahora se ciernen sobre este estacionamiento como los ojos del Dr. Eckleburg sobre un valle de cenizas a unas sesenta millas al sur y unos cien años atrás.
Las cenizas de hoy son edificios desaparecidos. Ya no quedan ni los fantasmas, solo una acentuada ausencia, pero no conmemorada por las marcas de cancelación de un par de enormes X ensamblajes en un edificio viejo al otro lado de la calle. Las columnas de las que están hechas son arrasadas y levantadas simultáneamente.
Las O miran con los ojos de soslayo al vecino triste. Las X miran al sur, estoicas. ¿Se supone que son los besos o los abrazos? He olvidado.
Leonardo Martinez | 11 Spring St
Me fui a pescar, 2021
Barril de vino, madera flotante, caña de pescar, corteza de madera de playa, pintura
Mi arte es como soy: mixto, espontáneo, colorido, temperamental. Silencioso pero ruidoso. Aparentemente caótico, pero con intención y dirección. Con la necesidad de ser explicado y guiado hacia el entendimiento. En verdad, soy un introvertido forzado a salir de mi caparazón y abandonar mi zona de seguridad. Para expresarme, creo algo para agradar, interesar. Todo mi trabajo contiene mi karma y una parte de mi alma. Soy yo.
Liz Nielsen | 18 Lander St
Jardín Orbital, 2021
Foto Grama Cromogénico Analógico, Fuji
Presentado en el interior de una caja de flores de madera de Nick des Cognets
Sin el uso de una cámara, Nielsen crea sus propios negativos y pinta con luz. Exponiendo fotografías en su cuarto oscuro analógico y procesándolas a través de químicos de forma tradicional, su técnica visita ambos mundos, el actual y el pasado.
El trabajo de Liz se centra en lograr la trascendencia a través del paisaje y elementos de abstracción. Sus imágenes existen fuera del tiempo y sin gravedad. Invita a sus espectadores a entrar en su mundo, experimentar una vista cuántica, saltos de conciencia y alcanzar visualmente dos o más lugares a la vez. Pregunta para el espectador: Al mirar Orbiting Garden ¿Te sientes caminando, gateando, nadando o cayendo? ¿O quizás todas estas cosas?
Jardín Orbital de Liz Nielsen es una escultura de un sitio específico que representa una imagen de plantas flotando en órbita contra un telón de fondo cósmico de estrellas o de tierra y fertilizante.
Kayla Noble | 267 Liberty St
Maleza, 2021
Cerámica
Durante pequeños momentos de tranquilidad con la naturaleza es donde comienzo a sanar. Dos árboles entrelazados, una enredadera que se encrespa, o la forma en que una hoja puede deslizarse graciosamente hasta el suelo invaden mi corazón de asombro. Esta pieza explora el crecimiento y la reverencia que surge de la más profunda tristeza. Los ramas que se entrelazan, juguetones y caprichosos hechas de cerámica emergen del paisaje domesticado, interrumpiendo el espacio, implorando una curiosidad comprometida. Las rayas blancas y negras evocan imágenes de brujas y folclore, hablando de historias y fábulas fantásticas a las que una comunidad puede recurrir como una forma de procesar un evento traumático, enseñar una lección y preservar la tradición. Mi trabajo existe en un mundo que se encuentra entre lo domesticado y lo salvaje, confiando en el poder de los objetos para invitar al espectador a mi narrativa, una historia equilibrada entre la emoción pura y la contemplación silenciosa.
Qasi Pink | 27 E Parmenter St
Hyperlink Dollhouse no. 3 or HD3, 2021
Objetos reciclados y adquiridos, impresiones digitales en papel, plásticos, caucho, telas y medios digitales interactivos.
Hyperlink Dollhouse no. 3 es una obra de arte en colaboración con e impulsada por la comunidad para conjurar la magia del hogar. Haciendo uso de herramientas en línea, sugerencias y preguntas vía http://linktr.ee/h3id y también de códigos QR en los que se podrá compartir textos, dibujos, fotos y sonidos para convertirse en objetos tridimensionales y paisajes sonoros. Con tu ayuda, creo que podemos construir un desastre para bendecir. <3
Unas palabras del guía turístico HD3
Bienvenidos a HD3, ubicado justo en el nexo entre ciencia ficción, documental y arte interactivo. Desde finales de septiembre hasta principios de noviembre, en HD3 recopilaremos artefactos digitales cotidianos para procesarlos a través de la magia de la tecnología y convertirlos en arquitecturas virtuales y/o chatarra decorativa. - H3i-D (Hyperlink acaparamiento de 🤷♀️ internet… ¿sí? 🤷♀️ desorganizado).
HD3 entra en la ciudad de Newburgh, en el mundo físico. Con influencia en la comunidad de principios de la década de 2000 de juegos digitales y sitios web basados en simulación, la casa de muñecas encuentra cómodamente su hogar dentro del mundo virtual en constante crecimiento de New Art City.
New Art City es un espacio de exhibición de las artes digitales de jugadores múltiples en línea. Su kit de herramientas de galería 3D permite a los artistas y curadores construir nuevos tipos de espacios de exhibición a los que pueden acceder cientos de visitantes simultáneamente en todo el mundo sin necesidad de registrarse o descargar nada. Una organización dirigida por artistas dedicada a apoyar el trabajo de artistas, proporcionando un espacio virtual para aquellos a quienes se les niega un espacio físico y amplificar el trabajo de aquellos que sufren injusticia sistemática. Su trabajo lo puedes ver acá https://newart.city
skuzzgrime.com
@skuzzgrimeqbp
Courtney Puckett | 124 Grand St
InForm, 2021
Cuerdas y textiles reutilizados
InForm es una obra de arte pública construida con cuerdas y textiles reutilizados. La intrincada construcción de la obra de arte es inmediata, mientras que las letras de la obra se revelan lentamente, como un mensaje secreto que uno encuentra en un lugar inesperado. InForm utiliza materiales artesanales tradicionales en lugar de materiales históricamente duros y patriarcales, como el mármol y el bronce. El anudar con cuerdas, como tejer y acolchar, es una artesanía tradicionalmente femenina que requiere de mano de obra y conlleva al intercambio de historias. Como escultura al aire libre, libera material de fibra de los confines de los tapices de pared a pequeña escala en espacios interiores domésticos a material estético de escala arquitectónica al aire libre. Comprometido con el pensamiento ecológico, Puckett recupera materiales que de otro modo terminarían en basureros.
InForm sigue el espíritu de los trabajos de telas al aire libre como AIDS Memorial Quilt (1987 que continua en curso) y The Monumental Quilt for Sexual Violence (2019), ambos en el National Mall en Washington DC, donde la contribución individual de una audiencia participativa crea colectivamente una obra de arte monumental que aborda cuestiones sociales importantes. En un mundo contemporáneo donde la información y la desinformación que se intercambia libremente por Internet tiene el poder de derrocar gobiernos, cambiar el resultado de las elecciones y dar forma a la respuesta del público a una pandemia global, debemos reconocer la fuente de información y cómo se comparte.
Ubicado en Newburgh Free Library, Puckett invita al público a traer textiles usados (sábanas, ropa, textiles para el hogar, etc.) para participar en el tejido y anudado de la obra de arte el 19 de septiembre de 2021.
courtneypuckett.com
@courtneygpuckett
Jennifer Rawlison | 110 Dubois St
Libre para caer, 2021
Corte y enchapado de metal, alambre y malla metálica, transferencia de imágenes, grabado
Esta pieza representa la elección individual, derechos percibidos, salud pública, la ciudadanía global y las consecuencias cuando uno reemplaza a otro. Después de dieciocho meses de pandemia, seguimos soportando interrupciones en todos los aspectos de la vida: movilidad, educación, relaciones. La polarización ideológica de un simple trozo de tela ha provocado una caída libre. La elección para algunos actúa como un paracaídas, lo que permite un descenso más controlado y la oportunidad de conectarse con otros. Para otros, la elección conduce a una a caída libre, descontrolada e insegura.
Neen Rivera | 24 Courtney Ave
Apreciendo lo Boriquan: Parte 2, 2021
Alambres y enredaderas
Esta escultura de alambre nace del profundo dolor que experimentó Neen Rivera al tratar de hablar con un grupo de artistas blancos sobre la inclusión de la imaginería cultura de gente de origen latino. Los artistas defensivos desafiaron a Neen Rivera a incorporar más de este color en su propio trabajo primero y, como resultado, Neen se sumergió profundamente en su cultura y encontró tanto amor e inspiración que lo condujo a la creación de esta escultura. El símbolo en esta pieza es un petroglifo de las cuevas puertorriqueñas que representa a una persona. Para el artista es importante que el sitio de la casa para esta instalación fuera marrón, crear la imagen de que este puertorriqueño es marrón, hermoso, conectado con la naturaleza, fuerte y orgulloso. La misión del artista es abogar por la inclusión de los bronceados, negros y marrones y todos los hermosos tonos intermedios. Los artistas blancos han fingido durante demasiado tiempo que Brown no existe. El marrón es tan hermoso como cualquier otro color. Es una mentira racista que el marrón no “va con” ciertos colores como el neón o el arcoíris, y eso solo refuerza aún más el racismo que intenta avergonzar a los humanos más pigmentados si utilizan el color rosa, el amarillo, neón, etc. La representación importa. Lo que vemos en el arte afecta cómo pensamos y cómo nos tratamos unos a otros. Le pido que defiendan activamente la inclusión de su color en cualquier aspecto de su vida. Démosle el respeto que se merece a tan hermoso color.
Stuart Sachs | 115 Broadway
Broadway chess, 2021
Oak tree
Broadway chess is an interactive sculpture in which the viewer is invited to sit on, touch, hold, and move the pieces around to play a game of chess. Two chairs and a table carved from an oak tree brought down by a tornado in Newburgh. I carved a bench and left it in front of my building and the spot soon became a gathering location for neighbours to sit, stand, talk, or have a beer or soda. It activated the street, and engaged the public.
Broadway Chess is the second generation evolution of this project. In the second transformation. I sculpted the tree into a chess table with two chairs. I invite the passer by to sit at and challenge another to a game of chess. The viewer activates the second transformation, and the sculpture becomes a performance piece, breaking the fourth wall. I will create board pieces based on the most minimal geometric shapes including cubes, cylinders, and rectilinear solids based on the golden ratio. Pieces will evoke the essential nature of themselves using only the most minimal of shapes. The piece itself will transform by the activity of the viewer who joins the artist as collaborator in the public performance.
Jennifer Lauren Smith | 19 Liberty St
Grosse Michel, 2015
Bronce patinado (cinco elementos)
El tipo de banana Grosse Michel (Big Mike) crece en abundancia y salvajemente, en Florida el estado en que nací. El banano es una planta erótico y kitsch, es la fruta del rock&roll. Un tallo brota de un tronco sombreado, los frutos crecen en una acción llena de urgencia expuesta, emotiva y pura. Esta musicalidad implícita llevó a la decisión de convertir la forma en un calibre grueso, bronce, un material que no es afectado por el tiempo y que no siga las leyes de los bananos. Que siguen más bien las leyes del artificio, lo que resulta en la construcción de una forma abstracta, materialmente vital. Semblantes nítidos y formalmente conscientes: son tótems vacíos del deseo sexual, signos errantes de identidad transnacional, risas no realizadas, objetos misteriosos, familiares, desconocidos.
En Contacto Con, 2021
Baldosas de cerámica hechas y serigrafiadas a mano
En Contacto Con es una instalación en un sitio específico de baldosas hechas a mano que llaman la atención colocadas en un espacio público que pasa desapercibido. Adheridas a la base de un edificio residencial, por ejemplo, el sitio y la ubicación inesperada son tan buenas como la cerámica misma. El trabajo enfatiza el potencial de las conexiones transformadoras que pueden ocurrir en la calle todos los días.
El modismo Touch Base With (en contacto con) es una frase coloquial que se reconoce y se comprende al instante. Teselado en un patrón, el modismo se abstrae en la repetición. Familiar pero extraño, el texto abierto habla directamente al espectador, cuestionando las conexiones interpersonales y la comunicación en nuestras vidas.
Diseñado como un susurro, no un grito, el color del texto combina los mosaicos con su fondo. Camuflada con su entorno, la obra se entremezcla a la perfección con su entorno. Inspirándose en el arte callejero y el graffiti, la pieza está destinada a crear una reacción en el público, lo atrae y lo coloca en un ritmo más lento que induce a la reflexión.
Realizado en colaboración con la ilustradora Tonja Torgerson y el ceramista Joel Weissman bajo el enigmático apodo de SUBPAR, este proyecto combina texto y materialidad para acentuar los espacios públicos que se pasan por alto. Al alterar los espacios, transformamos la forma en que se experimentan e interactúan con ellos, dándoles un nuevo propósito.
